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1. Homeme

Una de las premisas de salida de esta nueva web era que, de alguna forma, a parte de ser obviamente contenedor, pudiera devenir en si misma una pieza.
Aplicar a la home el código comunicativo de los memes de internet fue la solución propuesta por los diseñadores gráficos Bendita Gloria a un proyecto, con los memes como temática central, que romania a la espera de encontrar una formalización con la cual me sintiera cómodo. Homeme es por lo tanto una entrada a la web y una resolución a un proyecto que estaba en el limbo. La web no es una pieza por si sola, pero sí  lo es al menos su home.
A partir de una selección de memes que me recuerdan a obras de arte con las cuales siento empatía, una cierta proximidad… intervengo las obras (reconocibles para un público especializado) con el texto-meme procedente de la referencia original.
La naturaleza omnívora de nuestra sociedad ya no discrimina (esto no significa que no distinga) inputs culturales reservados a públicos minoritarios, de los destinados a las masas. Esta mezcolanza de expresiones es retratada, de forma aglutinadora, en esta serie de fotografías de obras de arte (algunas son propiamente fotografía), que reivindican el megamix, el cover y la mezcla de la curiosidad y del entretenimiento con la posibilidad del acto reflexivo.

Foto de la pieza House Attack, instalación de Erwin Wurm. 2006. Museum Moderner Kunst (MuMoK), Vienna.

Foto: Ascot (Sunglasses and Top Hat) GB. ENGLAND. Think of England. Martin Parr.

Foto de la escultura-instalación Rubber Duck. Floretijn Hofman.

2. Dance Statement

(Sinopsis)

Dance Statement es una pieza sonora metaartística que inscribe mi declaración de artista en una base instrumental electrónica de un hit musical dance de temporada.
Sustituyendo los vocales del tema musical por la locución en inglés de mi statement, realizada con un programa TTS (Text To Speech), convierto mi declaración de artista en una declaración de artista dance “para todos los públicos”.

Posproducción: Blai Barba y Marc Serra.

4. Searching for a cultural experience

(Sinopsis)

¿Una obra de arte puede ayudarnos, en cierto modo, a ir configurando el camino para encontrar quiénes somos, a nivel existencial y cultural?

¿El arte referencial, que parte de un tributo, del homenaje, del apropiacionismo, es el modelo imperante de práctica artística actual?

¿La cultura puede curar alguno de los males de la sociedad?

¿Si una pieza nos entretiene y es efectista, se devalúa su entidad?

A partir de estas cuatro preguntas sin respuesta y de grandes dimensiones, propongo esta sencilla instalación que tú mismo generas y que se inspira en el mundo paracientífico de la medicina alternativa, a través de la cromoterapia, fijando la atención en el acto de buscar.

Instalación: niebla artificial, linternas y texto de sala.

(mostrado en los Talleres Abiertos de Poblenou.
Barcelona. Hangar.org)

5. Bigger and Unique

(Sinopsis)

Bigger and Unique es una obra meta-fotográfica y post fotográfica, un “cover” de una fotografía “original” de IKEA y de sus propiedades representativas de la realidad.
La fotografía de la fotografía incide visualmente en conceptos que, a modo de ensayo, se exponen literalmente en el texto que acompaña la obra. Habilidades y hándicaps del medio fotográfico como la dificultad de una supuesta objetividad fotográfica, la tensión entre la imagen y el fuera de campo, la imposibilidad de “construir” mediante el encuadre o la bidimensionalidad de la fotografía son ideas, entre otras, que conviven en el texto junto con reflexiones y constataciones acerca de la cultura visual en la era de la imagen, los productos de consumo cultural y la falsa elección que propicia la modernidad líquida en la que vivimos.

Copia fotográfica 3,6x5m.

Foto dentro de la foto de Bill Philip.

P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española.
Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.
PhotoEspaña.

Video-recuerdo mientras escribía el texto.

Doraemon. El recortador de paisajes (mis disculpas, únicamente lo encontré en catalán)

6. Studio Stadium

(Sinopsis)

Studio Stadium es una pieza fotográfica inmersiva de gran formato. El espectador es invitado a discurrir por una imagen que nos transmite mensajes combinados de referentes que detectamos como propios de la comunicación audiovisual (a través de la imagen de un plató de producción artística audiovisual), así como del universo del fútbol, indesligable de todo un sistema de la imagen sustentador de su éxito, garantizador de la continuidad del juego.
El carácter holográfico de esta fotografía enmarca la naturaleza de la sensibilidad contemporánea regida por el espectáculo. Y el fútbol es puro show.
A través de un control de la información visual transmitida y de la psicología del color (como si de un paisaje natural se tratara), Studio Stadium busca conquistar al espectador y sumirlo en un estado de consciencia plácida, relajada, que junto con la lectura del texto de sala, sea propicio para conectar con el significado que tiene para cada uno “lo cultural”.
La fotografía del vacío, de una realidad que en el plató nos parece por construir, sugiere rellenar el espacio con nuestras elucubraciones acerca de los propios límites que definen la “cultura”, así como invocar una posición crítica respecto el papel del arte contemporáneo en la sociedad.
Aprovechando la transversalidad del fútbol, se indica subliminalmente un tema que, a priori, le es ajeno, como es el estatus social del arte contemporáneo hoy en día.  “El arte del fútbol” se vuelve por tanto en este proyecto “el arte y el fútbol”.

Fotografía 2,4×3,6m.

7. Football Club

(Sinopsis)

La instalación sonora y lumínica Football Club es una deriva de la pieza fotográfica anterior. En un formato completamente inmersivo, el músico y artista Alberto Bernal crea para esta obra una composición electrónica generada con sonidos grabados en el entorno de un partido de fútbol. Con palabras del creador de la pieza:

La pista de audio está construida a través de una técnica utilizada habitualmente en otros trabajos míos, que consiste en una relectura de un material original mediante una doble saturación: su masiva superposición en múltiples capas de sí mismo, por una parte, y la continua repetición de microfragmentos a través de una ventana de loop que va haciendo un lento barrido a través de su duración total. De esta manera, se consigue crear un tejido sonoro que oscila entre la semanticidad del material original (en este caso, una grabación de campo de una celebración deportiva) y la nueva obra que emerge a partir de la saturación.

Football Club presenta, en una mezcla, dos tótems del entretenimiento colectivo, el fútbol de nuevo y la “cultura de club”, en el que devendrá un “club de fútbol de baile”.
Emitido por un sistema cuadrafónico, el sonido (que a veces llega a ser “blanco”) se sincroniza mediante un software para la interactividad con los focos, también de luz blanca, generando un efecto de oscilación en la luz.
Desde el prisma lúdico y del hedonismo, Football Club invita al público a entrar en el estado/estadio adecuado para un autocuestionamiento del valor cultural y, ajustándonos a una de las acepciones de la definición de “cultura”, ampliar el “conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico”.

Track cuadrafónico de Football Club en 2 canales (stereo mix)
(para una mejor escucha utilizar auriculares)

La pista, de 11’44″, se repitió en loop hasta los 90′
(con un poco de tiempo de descuento).

Alberto Bernal

http://www.albertobernal.net

 

 

Concept and set up: Marc Serra http://www.marcserra.net
Music: Alberto Bernal http://www.albertobernal.net
Interactive sound-light and quadraphonic set up: Jan Mech http://janmech.net

Vídeo documental de la instalación en Estruch. Fábrica de  Creación de las Artes en Vivo.  Sabadell, 20-11-2014.

Interactividad sonido-luz y set up de la cuadrafonía: Jan Mech.  janmech.net

 

 

8. Mimes and Memes

(Sinopsis)

Mimes and memes es un proyecto acerca de la cultura entendida como cápsulas de información transmitida a través de replicadores culturales, de “memes”, vaya.
El proyecto propone la hipótesis de un posible éxito del acto reflexivo  mediante la imagen que incorpora un mensaje textual y su viralización. Mimes and memes se interesa por el fenómeno de evolución cultural de una sociedad gobernada por imágenes. De la misma forma que un mimo replica emociones de forma gestual, un meme de internet hace lo propio a través de imagen y texto.
En Mimes and memes los copys hacen referencia precisamente a la cultura de la imagen, a los sobreentendidos, creencias y grado de conocimiento al respecto del mecanismo de representación visual y a una posible relación del mensaje fotográfico con el textual.

9. The Stunning Gallery

(Sinopsis)

The Stunning Gallery es un proyecto de instalación a partir de la modificación (tuning) de determinados elementos del diseño interior de una galería de arte. El contenido deviene la “marca” del artista en el contenedor mismo, en vez de la huella dentro de él. Tomando el postulado de Nicolas Bourriaud, la galería se presenta en esta obra como un espacio abierto al diálogo justo acerca de la premisa hipotética que propone el autor: el arte como salvación relacional.
A partir de una intervención “mínima” del espacio, se extiende una invitación al diálogo reflexivo acerca de “la cultura de lo estético” y la significación personal del espíritu crítico que nos diferencia como seres individuales.
De la misma forma que un propietario de un automóvil lo “tunea” para personalizarlo y así hacer suya su experiencia de consumo más allá de la del vecino, The Stunning Gallery utiliza un fenómeno de la cultura popular, una tradición urbana, para activar un diálogo con el público acerca de los productos culturales y su consumo.

Renders de muestra. Cristales de la galería tintados.

Puerta de apertura vertical.

Focos pintados con pintura dorada metalizada y lámparas de xenon.

Repisa ventana-alerón.

Neón de luz ultravioleta en el zócalo.

Barandilla iridiscente.

Prototipo en mi taller. Hangar.org

10. Esto lo puede hacer cualquiera

(Sinopsis)

Esto lo puede hacer cualquiera es una pieza resumen acerca de la percepción hipotética de un público general para con la idea de una obra de arte conceptual.

El arte povera 3.0 se revela ante nosotros con el manifiesto do it yourself. La democratización del diseño nos lleva a la auto-fabricación (o ensamblaje) de los ítems del “diseño accesible”. La cultura del esfuerzo, paradójicamente a lo que se podría presuponer desde la afirmación “esto lo puede hacer cualquiera”, significa en esta pieza la subjetivización del valor de una obra en el mercado del arte.

Esto lo puede hacer cualquiera tiene un precio original de 16,98€ y se pone a la venta (con el bien entendido que, tal como anuncia el título de la obra, se puede obtener por uno mismo) en subasta a un precio que vendrá determinado por la puja de los potenciales compradores. De esta forma inicio una deriva más de producto cultural, el que viene condicionado al 50% por las dinámicas del capitalismo y en la otra mitad proporcional por nuestro trabajo y creatividad individual.
Al comprador se le enviará, junto con la pieza, un certificado de autoría de la obra.

Vista de la pieza instalada en mi estudio (Hangar.org)

Cartela

11. I’m making Bart

(Sinopsis)

En Im making Bart me apropio de un pedazo de audio de la pieza de vídeo Im making art de John Baldessari, obra donde, mediante su vídeo conceptual, el artista cuestionaba quienes cuestionaban el arte conceptual y, de paso, se preguntaba (afirmando)  con un claro cinismo el propio hecho artístico, a la vez que se reía de él mismo.
Mi vídeo parte de la hipótesis al respecto de la existencia de una masa crítica para con el videoarte, la cual duda de la validez de esta como mecanismo contemporáneo de expresión artística. Como sujeto de la obra tomo los muñecos que nos ofrecen los vendedores ambulantes, imágenes de la iconografía popular urbana. La recreación de la impostura de nuevo (los muñecos nunca han bailado al ritmo de la música, es una trampa, una ilusión) activa el movimiento de nuestro protagonista mediante la locución del maestro bufón del arte conceptual.

Muestra de display expositivo.

12. Inexplicable Odeur

(Sinopsis)

Inexplicable Odeur toma el fenómeno de desconexión, cada vez más evidente, entre el mundo natural y sus atributos como metáfora de la pérdida de la “naturalidad” en las relaciones interpersonales, moneda de cambio contemporánea.
Inexplicable Odeur en una versión 1.0 del proyecto establece una reflexión sobre la deriva perceptiva en la que nos encontramos al relacionarnos con determinados atributos de nuestro entorno natural.
A través de un universo de olores inventado, la obra quiere sensibilizarnos de una forma crítica como receptores.
En la fase 2-0 se desarrollará una colección de plantas, seleccionadas por no tener olor propia, y que modificadas a través de nanotecnología se les “implantará” el olor de un perfume.
Recorriendo el camino inverso al habitual (en esta obra la dirección es de artificial a natural) se propone un nuevo formato de perfumería que se acerca a lo escultórico.

Inexplicable Odeur. Imágenes documentales de la instalación en La Capella. BCN Producció ’10.

Platycerium bifurcatum. Olor a interior de coche deportivo de gama alta.

Zamioculcas zamiifolia. Esencia a túnel de metro.

Polyscias elegans. Olor a tóner de impresora.

Ilustraciones Botánicas por Joaquim Conca.

13. Vernissage

(Sinopsis)

-¿Es proporcional, simétrica, la admiración del arte con la ciencia?

-Ante la existencia de un gadget tecnológico con calidades para impresionarnos, ¿te es fácil entregarte al diálogo con los otros sujetos presentes en el espacio?

-¿Crees en la posibilidad de una cultura tecno-lógica activadora de manifestaciones artísticas conceptuales cercanas al absurdo?

-Inmersos en la era digital, ¿que consideras por “interfaz”?

-¿Cuando una propuesta conceptual se materializa, donde pones tu foco de atención, en el magnetismo de la materia o en la sugerencia del concepto?

-¿Qué opinas de la afirmación: el entorno electrónico se fundamenta en el universo 2D y 3D, pero una idea presenta dimensiones infinitas?

Fotografía documental de la instalación Vernissage. Talleres abiertos de Hangar. Barcelona, junio 2015.

Vernissage documentary video

Video documental de la instalación.

14. e-cosistema sonoro (proyecto en proceso)

(Sinopsis)

e-cosistema sonoro es una instalación en base a los sonidos de alerta de distintas redes sociales o plataformas de comunicación (Facebook, Twitter, Grindr, Whats’app, Skype, Hangouts) emplazada en un jardín botánico.

Cualquier ciudad importante tiene su jardín botánico hoy en día, y en él se despliega la naturaleza de la Tierra. Es una forma fantástica de viajar a otros continentes sin movernos del nuestro y visitar la flora en mayúsculas que la ciudad no nos ofrece. Y un botánico, por lo general, es silencioso.

De la misma forma que el pájaro imita la sintonía de un teléfono móvil, esta pieza sugiere una nueva fauna que poblará, circunstancialmente, la flora globalizada del jardín. El visitante puede disfrutar además de un paisaje sonoro que le pueda llevar a ratos al baile, en un entorno en el que ya poco nos importa su pertinencia a lo natural o lo propio.

 

(Stereo Mix. Escuchar con auriculares o amplificado)

Documentación de la instalación octofónica + subwoofer
en Paratext 5. Hangar. Barcelona.

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A la obra de arte en la era de la producción cultural se le confiere una responsabilidad clarificadora cuando tratamos de comprender el significado del concepto “cultura” y sus límites.

Mi trabajo se mueve por el resbaladizo terreno que representa una cultura que mayoritariamente es de (y no para las) masas y en la que una obra artística, como en un espejismo, parece representar una suerte de imagen de un espacio rico en experimentaciones sociales y preservado de la uniformidad de comportamientos. Pero un miraje es un miraje.

Mi obra intenta plantear una realidad amplificada, ya sea por la duda que nos infiere o a través de la proposición de una hipótesis ad hoc, que trata de representar un hecho paralelo al que conocemos o aceptamos. De esta forma traslado al espacio expositivo inputs de la cultura popular, generalmente filtrados a través del absurdo o del aparente sinsentido.

Recreando un encuentro a priori improbable entre la cultura del entretenimiento y aquella de corte reflexivo, mis proyectos tratan de provocar preguntas que nos hagan repensar precisamente el propio significado de la cultura y la posición y funcionalidad del arte en el imaginario colectivo.


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Artista residente en Hangar.org
T. +34 677 276 912
marc(at)marcserra.net


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Marc Serra
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